LIMITI DI CONTROLLO: RAIN ROOM E AMBIENTI IMMERSIVI

Aug 14, 2023

"NON CORRERE!" ha esclamato un portavoce del Museo di Arte Moderna, mentre una giovane donna che era entrata nel campo di acqua che cadeva nella Rain Room, 2012, ha iniziato a prendere il volo e si è subito bagnata. Gli altri visitatori erano evidentemente più a loro agio all'interno dell'allestimento di questo "acquazzone accuratamente coreografato", come lo chiamava il museo, vagando giocosamente nell'ambiente interattivo e meravigliandosi del modo in cui il denso campo di gocce d'acqua si fermava in prossimità dei loro corpi, come se avessero fermato la pioggia. Ma a cosa stava rispondendo, consciamente o meno, la donna in fuga in questo ambiente enormemente popolare e letteralmente fantastico? Forse si era semplicemente sentita a disagio all'idea di bagnarsi, o forse ha avvertito una inquietante goccia d'acqua che, in un ambiente la cui acustica ricorda un forte acquazzone newyorkese, ha innescato il suo istinto di mettersi al riparo. Eppure l’acqua è, in retrospettiva, la forza ambientale meno minacciosa in questa opera monumentale. Forse la sua ansia era in realtà una risposta al modo in cui veniva scansionata e monitorata, il suo comportamento monitorato e reimmesso nell'apparato meno visibile dell'opera. O forse voleva anche testare l'idea che Rain Room "offre ai visitatori l'esperienza di controllare la pioggia" invertendo i suoi protocolli e facendo piovere su di lei. Perché cortocircuitando il meccanismo, facendo fallire il sistema, uno spettatore potrebbe avvicinarsi a ottenere un certo grado di controllo all’interno di questo ambiente inquietante, anche se solo momentaneamente.

Rain Room nasce da un'idea di Random International, un collettivo londinese fondato nel 2005 da Hannes Koch, Florian Ortkrass e Stuart Wood. Hanno presentato questo ambiente tecnicamente impressionante (anche se tutt'altro che casuale) al Barbican Centre di Londra nell'ottobre 2012 prima di installarlo al MoMA all'interno di una grande tenda nera ortogonale nel lotto adiacente all'edificio del museo quest'estate. Barriere metalliche temporanee serpeggiavano davanti alla struttura per racchiudere le lunghe file di spettatori entusiasti in attesa del proprio turno, aumentandone la risonanza con un parco divertimenti o un'attrazione fieristica. Questa eco non è stata casuale. Rain Room faceva parte di "Expo 1: New York" del MoMA PS 1, una mostra in più parti pubblicizzata come "un festival-come-istituzione", mentre allo stesso tempo "immagina un museo di arte contemporanea dedicato alle preoccupazioni ecologiche".

Questi appelli alla logica spettacolare dell’Expo o all’urgenza dei problemi ambientali non sono affatto insoliti o senza precedenti. Ma nel mettere insieme i due, il museo ha forzato i parametri istituzionali, producendo una topologia sintomatica i cui contorni cominciano a gettare Rain Room in uno strano sollievo. La sua presentazione ha rivelato le sfide intersecate che emergono dal sogno vecchio di decenni, condiviso sia dall’arte che dall’architettura, di utilizzare le tecnologie postindustriali per creare ambienti interattivi. Tali ambienti incarnano da tempo le tensioni inerenti all’implementazione di queste tecnologie, che promettono forme nuove e liberatorie di esperienza partecipativa e allo stesso tempo circoscrivono i loro utenti all’interno di meccanismi di controllo sempre più sofisticati. Oggi, di fronte all’incombente crisi ambientale e all’aumento dell’onnipresente data mining e sorveglianza, Rain Room rivela i collegamenti – e anche le distinzioni – tra il nostro momento contemporaneo e il momento tra la fine degli anni ’60 e l’inizio degli anni ’70, quando la convergenza dei media le tecnologie e i sistemi ambientali sono emersi come tropi della connettività planetaria.

Allestito dichiaratamente sulla scia dell'uragano Sandy e del caos che ha provocato a New York lo scorso ottobre, "Expo 1" ha riunito opere ritenute in risonanza con le pressioni ambientali, le catastrofi provocate dal cambiamento climatico e la volatilità economica e politica, mentre allo stesso tempo tempo offrendo un senso di speranza per un mondo migliore, speranza nata, come annunciava il comunicato stampa, dall'"innovazione tecnologica" e dalle "iniziative architettoniche". Cogliendo questo tono equivoco, il MoMA PS 1 ha presentato la sua parte della mostra con il titolo "Dark Optimism", un concetto coniato dal collettivo Triple Canopy, che ha organizzato un programma di conferenze ed eventi come parte della mostra. "Conosciamo tutti i modi in cui finirà il mondo. Eppure continuiamo", hanno spiegato. "La nostra azione nel presente implica un ottimismo riguardo al futuro, anche se quell'ottimismo è scettico, preoccupato o oscuro." Dai frammenti di ghiacciai refrigerati di Olafur Eliasson in Your Waste of Time, 2006, alle rovine dorate di colonne classiche e manufatti culturali contemporanei di John Miller in A Refusal to Accept Limits, 2007, le opere di "Dark Optimism" hanno offerto una visione diversa, forse inconciliabile, serie di connessioni con tali preoccupazioni. Molti pezzi, tuttavia, condividevano una temporalità entropica che faceva crollare fantascienza e archeologia, rifiuti e risorse, tossicità e promesse.